Arte con hojas secas de otoño

"Licenciado en apuros - Diagnóstico". Comics by Pixton. por Blopa74

Los "American" paisajes de Grant Wood

Grant DeVolson Wood (Anamosa, Iowa, 13 de febrero de 1891 – Iowa City, 12 de febrero de 1942) fue un pintor estadounidense. Se le conoce sobre todo por sus pinturas representando el Medio Oeste rural estadounidense. Se le considera uno de los pintores de la Escuela Ashcan, que a través de Arshile Gorky llevó al Expresionismo abstracto posterior a la Segunda Guerra Mundia

Fotos históricas: "Borges y Sábato, dos tigres de las letras argentinas"

"Distraídos en razonar la inmortalidad, habíamos dejado que anocheciera sin encender la lámpara. No nos veíamos las caras..."

Función del arte durante la edad media

Las obras de arte medievales surgieron en un contexto en el que no existía el concepto de arte como fin en sí mismo ni el de la belleza como su objetivo, ni si quiera el concepto mismo de artista o de bellas artes (sino el de artes mecánicas, diferenciadas de las liberales). El objeto artístico medieval tenía, en el seno de la sociedad en que era producido, un carácter básicamente funcional. Para el medievalista francés Georges Duby, la obra de arte medieval cumplía fundamentalmente tres cometidos:
- Ser una ofrenda a Dios, a los santos o a los difuntos, con el fin de obtener su gracia, su indulgencia, etc. Es por ello que el hombre medieval (incluso aquellos, como San Francisco de Asís, que promovían la pobreza) no dudaba de la legitimidad de la riqueza de los adornos de las iglesias, monasterios u otros lugares de culto, puesto que esta riqueza era vista como una ofrenda necesaria a Dios, para la cual eran necesarios los mejores materiales y las mejores técnicas.
- Ser intermediaria entre el mundo sobrenatural y el humano, haciendo visible en este las realidades divinas, según la máxima paulina per visibilia ad invisibilia (a través de lo visible hacia lo invisible). Se suele atribuir a las imágenes medievales una función pedagógica: explicar los dogmas de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados (el catecismo de piedra), si bien no todos los expertos están de acuerdo sobre este punto.
- Ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la Iglesia (el poder religioso); por otro, del poder político (emperadores, reyes, y las mismas instituciones eclesiásticas). A finales de la Edad Media van surgiendo en otros agentes sociales los medios suficientes para encargar obras de arte (la burguesía).

Imagen: Vitrales góticos medievales de Saint Denis

Edgar Degas y sus retratos de "le femme du toilette"

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel. Realizó retratos y series sobre el mismo tema, destacadamente las bailarinas, pero también sobre las carreras de caballos, uno de sus temas favoritos, en el que explora el movimiento. Otra serie son los desnudos femeninos que realiza sobre los distintos momentos de la toilette femenina. También representa escenas cotidianas de mujeres, lavanderas, planchadoras o burguesas. A partir de 1880 usó cada vez más el óleo, en particular cuando trata desnudos femeninos. Esta técnica resultaba ideal para materializar su interés por el dibujo y la realidad instantánea y cambiante. Esta línea de preferencia por la luz artificial y los ambientes urbanos es seguida por el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Degas fue uno de los pintores, junto a Ingres y Rafael, que Paul Gauguin admiraba y Van Gogh detestaba, como señala el primero en una carta a Émile Bernard, datada en Arlés, 1888.

La corriente del Art Nouveau de principios de siglo XX

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque. En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau –en Bélgica y Francia– Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal. Las características que en general permiten reconocer al modernismo son: Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración.Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista. Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado). Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos. Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.

La adoración a la "mujer-ideal" en la Obra de Bruno Shulz

La teoría de la antinomia de los sexos formulada por Przybyszewski, siguiendo a Schopenhauer, era el mito contemporáneo con un significado particular para el artista, el concepto de mujer demoníaca que destruye al hombre en nombre de la preservación de la continuidad de la especie humana. Reflejado en un espejo deformante, parafraseado, el topos de la mujer satánica se convirtió en el leitmotiv de la oeuvre gráfica y de los dibujos de Schulz. "El libro idólatra" está dedicado a una re-interpretación particular de la trama modernista de la femme fatale. El "libro idólatra" es una serie de más de veinte grabados que presentan diferentes variantes del motivo del homenaje al ídolo de la mujer que un hombre convertido en enano le rinde en su humillación. Se creó durante los años 1920-21, e incluyó en forma embrionaria las ideas y tramas que Schulz desarrollaría años más tarde en la presentación onírica de los cuentos con un simbolismo de múltiples planos. En la década de 1930 multiplicó las escenas de adoración y de rituales sado-masoquistas, y siguió analizando de manera obsesiva la oposición entre masculinidad y feminidad con el fin de identificarla en sus reflexiones filosóficas con la antinomia del intelecto y la materia que rige en una dimensión ontológica universal. (...) La simbiosis de la realidad cotidiana y trivial con los arquetipos que renacen en los cuadros de los maestros antiguos, tan típica de la prosa de Schulz, aparece también en la serie de dibujos realizados por el artista en los años treinta, en los que retoma el motivo crucial de El libro idólatra —la adoración a la mujer-ideal–. La estilística de esos trabajos se vio simplificada; la complicación interna de la composición, típica de El libro idólatra, la línea precisa que describe las formas y el denso plumeado para construir los fondos oscuros y un modelado de valores de contraste, dieron paso a contornos fuertemente marcados que definen de forma espontánea las formas y el sombreado esquemático, paralelo, que rellena las superficies de los objetos y de los fondos. Al mismo tiempo, retomó el esquema de composición de las representaciones de Venus y Danae de Tiziano. La «diosa» adorada humildemente por los hombres muestra aquí su rigidez de muñeca, ofreciendo a veces una expresión grotesca, al igual que en las imágenes de la señorita Kuziw. En algunos dibujos desaparece la figura deforme del idólatra; permanece en cambio el atributo principal de la mujer-ídolo: un amplio lecho cubierto de almohadas. Ese lecho (alguna vez presentado con un ornamento barroco) se encuentra en el interior de un dormitorio que un alféizar y, a veces, unas cortinas de un baldaquín invisible tratado de manera convencional, separan de una ventana agigantada. La ventana está trazada de forma fragmentaria con una vista de Drohobycz al fondo. No obstante, esta división del espacio desaparece gradualmente y el lecho –de forma irracional– se sitúa directamente en un paisaje lleno de edificaciones marcadas en forma de bocetos y simplificadas de tal manera que parecen una escenografía teatral.

fuente: Poliwka, Monika - "El país tenebroso de Bruno Shultz". Ed. Círculo de Bellas Artes , Madrid. 2007

Obra: "Susana y los viejos" 

Observe como se repite en las imágenes una característica de adoración fetichista a las piernas y pies de las damas adoradas por los hombres figurados en la imagen; Además, llaman la atención las expresiones faciales de los adoradores y la indiferencia aportada por la idolatrada.

En éstas dos ultimas imágenes vemos ya a una mujer dominante, portadora de un látigo, interesada en la manipulación sádica de sus adoradores con visibles rasgos de sumisión y adoración:

Obra: "Bestia"

Carlos Páez Vilaró: Arte total y Carnaval

Con una marcada impronta cubista, la producción del artista, nacido en Montevideo, el 1°de noviembre de 1923, se desplegó en todo tipo de materiales (muros, cartones, metales, papel) y tuvo como eje el retrato de sus viajes por el mundo. Además de su afán por la experimentación, se dedicó también a la conquista de distintos soportes: así, incursionó en la pintura, la escultura, la cerámica, la música y la escritura. Páez Vilaró dedicó su obra pictórica a la cultura de raíz africana que rodea el Carnaval uruguayo, pero además recorrió África pintando murales en coincidencia con el histórico proceso de independencia de aquel continente En los años 60, Páez Vilaró inició la construcción de Casapueblo, el gigantesco monumento arquitectónico emplazado en el espectacular paisaje marítimo de Punta Ballena -a unos kilómetros de Punta del Este- que funciona como hotel, museo y taller:

"Cuando inventé Casapueblo, era extraordinario: estaba solo. Una soledad maravillosa. Sólo tenía diálogo con algunos pescadores que se aventuraban a vivir en las rocas. Hoy en día no conozco ni a los vecinos. Impresionante lo que ha crecido..." 

A lo largo de su vida, Páez Vilaró conoció a importantes maestros como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Jean Cocteau, Jean Cassou, Alexander Calder y Andy Warhol, entre otros. Falleció hoy a los 90 años y éstas son algunas de sus obras relacionadas con el Carnaval rioplatense...

Naif: El arte de lo "ingenuo"

La denominación naif (del francés naïf, 'ingenuo') se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.El concepto naíf, del francés naïf, alude no sólo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático por lo que podríamos decir que los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin atenerse a ninguna norma.

La esencia y el carácter del arte naif brotan en el campo anímico de la inocencia y la sencillez. Si el artista naif renuncia a ellas, pone en peligro el clima específico de su arte.

A lo largo de años o decenios de actividad artística, aquel perfecciona su técnica y puede moverse con más libertad en la materia de su composición. En cambio, si su sensibilidad y receptividad disminuyen, si empieza a repetirse y se pasa a la producción en serie, puede suceder que pierda en ingenuidad y en espontaneidad imaginativa... 

Del libro "El Arte Naif", de Oto Bihalji-Merin

Algunas obras de reconocidos "Naif ´s"

DI FAZIO

(italia)

DE DEUS

(brasil)

NORNIELLA
(italia)

SANCHEZ MARIN

(españa)

PILAR SALA

(argentina)

Pettoruti y el Cubismo

Emilio Pettoruti (1 de octubre de 1892; La Plata - 16 de octubre de 1971; París) fue un pintor argentino nacido en la ciudad de La Plata provincia de Buenos Aires. Desde pequeño es alentado por su abuelo en dibujo y la pintura. Estudió Bellas Artes en su ciudad natal, con maestros como Atilio Boveri y Emilio Courtaret, con quien aprendió la perspectiva. En el año 1911 participó en una exposición de caricaturas, gracias a una que representaba a Rodolfo Sarrat.

En el año 1913 se embarca becado hacia Europa. Se instaló en Florencia y a pesar de su intención de copiar el arte clásico su destino fue completamente diferente. En la librería de Ferrante Gonelli, adhesor a los futuristas, adquiere un ejemplar de la revista “Lacerba”, perteneciente al Movimiento Futurista el cual pretende el progreso a través de la utilización de la máquina, tiempo después en una exposición del grupo tuvo acceso a su Manifiesto de 1909, desarrollado por Marinetti. Luego Pettoruti conoce a los exponentes futuristas gracias a Gonelli. Este es el primer movimiento que transforma tanto su vida como su obra, al punto tal de realizar una exposición en el año 1914, llamada Primera Exposición Invernal de Toscana, presentado cuatro obras, dos de las cuales se titulaban “Armonia-Movimiento Espacio (diseño abstracto)”, aquí presenta los conceptos de los futuristas representando el movimiento en forma abstracta. Esta etapa concluyó cuando Pettoruti conoce el Cubismo. Por estos años también experimento con el collage técnica utilizada por los vanguardistas como los Cubistas para la realización de sus obras. El Futurismo ya no cumplía con las expectativas de Pettoruti, la pintura debía ser “construcción y color” y el Cubismo cumplía estos requisitos, permitiéndole pintar los objetos que el amaba, como sifones, instrumentos musicales, soles, botellas, fruteras, etc.

La Obra de Nikolái Roerich: "La cultura se apoya en la Belleza y en el Conocimiento"

Nikolái Konstantínovich Roerich (1874-1947) Fue un ilustre artista ruso, filósofo, escritor, y arqueólogo. Siendo creador de más de 7.000 lienzos y de más de 30 obras literarias, es también autor de la idea e inspirador del Acuerdo Internacional sobre la protección de las instituciones artísticas, científicas y los monumentos históricos (Pacto Roerich), así mismo como fundador del movimiento internacional de protección de la cultura.

El 15 de octubre de 1969 los astrónomos del Observatorio astrofísico de Crimea, Nikolái Stepánovich y Liudmila Ivánovna Chernyj descubrieron un nuevo planeta pequeño en el sistema Solar y le dieron el nombre de «Roerich» en honor de esta familia. El planeta está registrado bajo el número 4426.

Buda vencedor, 1925

Mensaje del águila,  1927

Ciudad de Jalama, 1928

Brahmaputra, 1932

Bhagavan, 1943

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«El arte unirá a la Humanidad. El arte es uno e irrepetible  El arte tiene muchas ramas y una sola raíz… Cada uno percibe la verdad de la belleza. En la belleza estamos unidos, por la belleza oramos, Con la belleza conquistaremos. Para todos deben ser accesibles y abiertas las puertas de la fuente sagrada. La luz del arte iluminará los innumerables corazones con un amor nuevo. En un principio, este sentido vendrá desapercibido, pero más tarde este sentido limpiará toda la conciencia humana. Cuántos corazones jóvenes están buscando algo bello y auténtico. Dadselo, pues. Dadle el arte al pueblo, que el arte le pertenece.» (Roerich, N - «Sobre el Arte»)

El arte en la edificación de la pirámide espiritual (Vassily Kandinsky)

"El artista no tiene por fin la reproducción de la naturaleza, aunque ésta sea artística, sino la manifestación de su mundo interior"

(...)

La puesta en paralelo de los medios de un arte con los de otros, y la inspiración recíproca, sólo tiene valor si se realiza sobre la base de los principios, y no meramente de lo exterior. Es decir, que un arte puede tomar de otro el modo en cómo este último trabaja sus propios materiales, para luego trabajar los suyos de la misma manera, según los principios que le sean privativos. en este acercamiento, el artista debe tener presente que cada instrumento, cada material, tiene una utilización idónea que debe ser encontrada.

Con respecto a la expresión de formas, la música puede producir frutos inalcanzables para la pintura, pero no posee algunos atributos de ésta última. Por ejemplo, la música utiliza el "tempo", la dimensión temporal. La pintura, en cambio, no tiene esta posibilidad, pero puede exponer todo el contenido de la obra en un mismo segundo, cosa que para la música es imposible. Ella, exteriormente liberada de la naturaleza, no necesita valerse de formas externas para su lenguaje. La pintura, en cambio, se nutre casi íntegramente de formas prestadas de la naturaleza. Su labor debe estar centrada en analizar su materiales y potencialidades, conocerlos bien, como la música conoce a los suyos desde hace tanto tiempo, y utilizarlos en el desarollo creativo de una manera exclusivamente pictórica.

Al ahondar dentro de sus propios medios, cada arte señala las fronteras que lo distinguen de otro y, en este movimiento, vuelven a unirse por un idéntico esfuerzo interior. De esta manera, llegamos a la certeza de que cada arte atesora fuerzas específicas, irreemplazables por las de otros. Del movimiento de unión surgirá, un día, el arte que ya intuimos: el auténtico arte monumental.

Todo empeño puesto en ahondar sobre los tesoros ocultos de un arte, es un aporte valioso en la edificación de la pirámide espiritual que un día tocará el cielo.

Kandinsky. "Sobre lo espiritual en el arte". Ed. Libertador. Bs.As. 2003

pinturas del "Grupo Boedo"

1 - Claudia Martínez, obra: "Cardos"

2 - Mónica Borrel, obra: "Venecia I"

3 - Sergio Dasseville, obra: "Mariel y el Mar"

4 - Martha Da Costa, obra: "Momentos en Juanes"

http://elgrupoboedo.blogspot.com.ar